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sábado, 9 de marzo de 2024

Garrett Saracho - En Medio

Garrett Saracho es un pianista, compositor, arreglista y cineasta afincado en Los Ángeles. Se le conoce sobre todo por su faceta de jazzista funky. En Media (grabado como Gary Saracho en lugar de Garrett), un único álbum de Impulse de 1973 producido por Ed Michel, obtuvo una calificación de cinco estrellas de Downbeat y recibió una considerable difusión. Más tarde salió de gira con Redbone, un grupo dirigido por sus primos, Pat y Lolly Vegas. También trabajó como carpintero en platós de cine mientras aprendía a escribir guiones y a editar. A partir de la década de 1980, trabajó en la epopeya de teatro musical The Boys of North Broadway (antes North Broadway), que terminó mucho más tarde y que narraba en forma de musical los triunfos y las luchas de generaciones de mexicano-estadounidenses. En 2021, Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad invitaron a Saracho y a una banda completa -incluido un ejército de músicos de viento y lengüeta- a su estudio Linear Labs. En noviembre de 2022 presentaron Garrett Saracho JID015.

Saracho es un angelino de ascendencia apache y mexicana de cuarta generación. Nació en Lincoln Heights, hijo de un veterano de la Segunda Guerra Mundial reconvertido en diseñador gráfico y comercial. Comenzó a tocar el piano en la escuela y en el instituto, luego pasó al vibráfono y más tarde a la marimba antes de volver finalmente al piano. Durante la adolescencia, se desinteresó por completo de la música rock y cayó bajo las influencias de Bobby Hutcherson, Milt Jackson, Roy Ayers y, sobre todo, Cal Tjader.
Se unió al quinteto de jazz de su amigo íntimo, compañero de clase y también pianista Herbie Baker. Ambos estaban bajo la tutela del pianista Horace Tapscott y afiliados a su extenso elenco de músicos, la Unión de Músicos de Dios y Ascensión de Artistas, o UGMAA. Durante su carrera, Saracho tocó una vez con Jimi Hendrix, Buddy Miles y John Paul Jones en un club de Los Ángeles. En 1969, el Herbie Baker Quintet compitió en la batalla de bandas por el Frank Sinatra Music Award y fue eliminado. Volvieron a intentarlo en 1970 y ganaron. Dos semanas después, Baker murió en un accidente de coche. Devastado, Saracho se trasladó a San Francisco durante un par de años y se dedicó en serio al piano para honrar la memoria de su amigo. De vuelta a casa, el quinteto había sido influyente. En 1972, Tapscott impartía un curso titulado "La experiencia negra en las bellas artes" en la Universidad de California en Riverside. Dedicó una conferencia a la vida y el legado de Baker, compartiendo varias grabaciones en directo de su quinteto, con Saracho al vibráfono.
Saracho regresó a Los Ángeles en 1973 y convenció a Lee Young, de Impulse A&R, para que le contratara. El vibrafonista reclutó a una banda con diversos niveles de asociación con UGMAA. El elenco incluía al bajista Roberto Miranda, un antiguo pilar de la Pan Afrikan Peoples Arkestra de Tapscott, y a Owen Marshall, un arreglista y multiinstrumentista de Compton que había trabajado para Lee Morgan. Ed Michel fue contratado como productor. Titulado En Medio (por el apodo que le puso su abuelo), grabó bajo el nombre de Gary Saracho. El álbum de cinco canciones incluía "Senior Baker", de 14 minutos de duración, dedicada a su difunto amigo. El tema se publicó como sencillo en dos partes. El lanzamiento de En Medio fue acogido con entusiasmo por los críticos de jazz y los DJ de las radios de jazz. Downbeat le concedió un máximo de cinco estrellas, mientras que el New York Times se refirió a Saracho y sus músicos como "el contingente Impulse West-Coast". Entre los fans del álbum estaban Herbie Hancock (que acababa de publicar el clásico de jazz-funk tangencialmente relacionado Head Hunters) y Wayne Shorter, de Weather Report, y el bajista Jaco Pastorius.

Tras la guerra del Yom Kippur, en octubre de 1973, ABC Impulse empezó a despedir a sus artistas noveles, alegando la escasez de petróleo para prensar vinilos. Era una excusa apenas velada para abandonar la promoción de álbumes y recortar gastos. Saracho fue despedido y el álbum borrado. Devastado, abandonó el país durante varios años, viajando por África y Europa. Regresó para terminar sus estudios de cine en la UCLA. También estuvo de gira con Redbone y realizó una única gira como músico de cruceros. Encontró trabajo como carpintero en platós de cine y con el tiempo aprendió lo suficiente para convertirse en montador y editor de sonido. Trabajó en el departamento de mano de obra y más tarde dirigió el taller de herramientas de Universal, que es donde empezó a desarrollar su visión para escribir obras de cine y teatro. Durante la década de 1980 empezó a trabajar en North Broadway. Concebida inicialmente como una trilogía cinematográfica, la visión de Saracho evolucionó, y la transformó en un musical épico titulado North Broadway que finalmente se reformuló como The Boys of North Broadway. La música de su primera encarnación apareció en el álbum inédito de 1998 Dare to Dream (más tarde disponible en formato digital). Su amplio elenco de músicos incluía a los saxofonistas Bennie Maupin y Danny Padilla, así como al guitarrista de Redbone Tony Bellamy.
Saracho siguió trabajando en el cine mientras componía música y escribía guiones en un estudio alquilado de Los Ángeles. Terminó de trabajar en Boys of North Broadway durante la pandemia; no sólo se ha convertido en un musical, sino que se está produciendo como largometraje. Además, Saracho graba pistas electrónicas como Indianred. Los músicos, propietarios de sellos y fanáticos coleccionistas de discos Ali Shaheed Muhammad y Adrian Younge eran admiradores de En Medio desde hacía mucho tiempo. Se pusieron en contacto con Saracho y le invitaron a grabar en su estudio Linear Labs a mediados de 2021. También trajeron una banda completa con una gran sección de metales y cañas. Mezclando soul latino, funk de la costa oeste y rock psicodélico bajo la bandera del jazz moderno, en noviembre de 2022 se publicó un álbum de ocho canciones con el nombre de Garrett Saracho JID015._Thom Jurek (allmusic)

Este álbum de jazz chicano perdido, que marcó un hito en 1973, está disponible por primera vez. Es una combinación de jazz, funk, soul latino y rock, rescatada para el público moderno.
En En Medio tocan casi una docena de personas. El tema que abre el disco, "Sunday's Church", cambia a menudo de arriba a abajo mientras el pianista estrella e intérprete de Fender Rhodes Garrett Saracho compite consigo mismo, pasando de puntillas y luego destrozando sus instrumentos. "Happy Sad" es un poco más amanerada, con la participación de un violinista. Luego, "Rose For A Lady" es una mezcla espectacular de un saxofonista (Lawrence "Patience" Higgins) y Mendio al piano.
Volviendo al disco, "Señor Bakor" comienza con mucho ambiente y percusión, pero Saracho se queda atrás para dar a sus trompistas un poco de espacio para respirar, hasta que su guitarrista, James Herndon, entra y lo cierra con un solo impresionante.
El disco termina con "Conquest De Mejico", una grabación aparentemente en directo que muestra mucho trabajo rápido entre batería, bajo, saxo y piano.
En Medio existe de nuevo. Larga vida._Daniel Margolis (downbeat)
                                                      
                                                                          

Garrett Saracho - En Medio (1973)

Temas:
01. Sunday's Church
02. Happy, Sad
03. Rose For A Lady
04. Señor Baker
05. Conquest De Mejico

Musicos:
Garrett "En Medio" Saracho (Pianos eléctrico y acústico)
Lawrence "Patience" Higgins (Saxo soprano y tenor)
Bruce Morgenthaler, Roberto Miranda (Bajo eléctrico y acústico)
Jamie Herndon (Guitarra eléctrica)
Carmelo Garcia (Timbales, congas y bongos)
Owen Marshall (Oboe, percusión y sintetizador)
Marvin Palatt (Violín)
Jeffrey Bahir Hassan (Batería)

sábado, 2 de marzo de 2024

Lee Konitz - Brazilian Serenade

Lee Konitz (Chicago, 1927-New York 2020) fue uno de los discípulos mejor dotados técnicamente surgidos de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil con su saxo alto, Konitz comenzó su carrera profesional en 1945 con la banda Teddy Powell como reemplazo de Charlie Ventura. Un mes después, la banda se separó, y Benny Goodman le ofreció un puesto en la suya que Konitz rechazó. Era cuestión de tener libertad para crear y no someterse al corsé de una gran orquesta. Ese mismo año decidió enrolarse en el grupo del clarinetista Jerry Wald. En 1946, conoció al pianista Lennie Tristano, y ambos trabajaron juntos en un pequeño bar de cócteles.
Participó en la banda de Miles Davis en septiembre durante 1948 y 1949, y fruto de esa colaboración, fue la legendaria grabación en noneto del disco «Birth of The Cool», álbum totémico no solo en la carrera de Miles Davis, sino en la propia historia del jazz. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año año desarrolló su carrera como líder en solitario. A lo largo de su dilatada carrera ha tocado con tal nómima de músicos y de tal variedad estilística que su relación sería imposible en este espacio. Por citar algunos: Charles Mingus, Miles Davis, Bill Evans, Paul Bley, Joe Henderson, Elvin Jones, Ornette Coleman, Chick Corea, Jim Hall, Stan Kenton, Gil Evans, Martial Solal, Atilla Zoller, Max Roach, Dave Brubeck, Kenny Weeler, Stefano Bollani, Kenny Werner o John Zorn. Músicos de diferentes estéticas, proyectos variados desde dúo a noneto, pero también músicos jóvenes, muy jóvenes.
En 1954, inicia con el álbum «Very Cool» para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico. Konitz ha grabado o actuado con, Dave Brubeck, Ornette Coleman, Charles Mingus, Jim Hall, Gerry Mulligan, Elvin Jones, y varios otros músicos extraordinarios. Lee Konitz contribuyó a la banda sonora de la película Desperate Characters (1971), y en 1981, actuó en el Woodstock Jazz Festival, que se celebró en celebración del décimo aniversario del Creative Music Studio.
Sus últimas grabaciones fueron en trío con Brad Mehldau y Charlie Haden, editadas por Blue Note, así como un álbum en vivo grabado en 2009 en el Birdland y lanzado por ECM en 2011 con la misma agrupación con la adición del batería Paul Motian. Su álbum con Grace Kelly «Gracefullee», fue calificado de 4 1/2 estrellas por Michael Jackson en la revista Down Beat. En 2012 grabó en el Blue Note de New York un magnífico álbum en colaboración con Bill Frisell, Gary Peacock y Joey Baron, y todavía con 87 años, en 2014, tuvo fuerzas, despues de haber superado un proceso cardiaco, de tocó tres noches en el Café Stritch en San José, California con el trío de Jeff Denson, improvisando los viejos estándares que son sus preferidos. Su discografía es abrumaduramte extensa y de una calidad y variedad extraordinaria. A los más de 100 discos grabados como líder de sus grupos entre 1949 y 2007, con alguna que otra obra maestra entre ellas, hay que añadir casi una veintena más como sideman de otros músicos.
Lee Konitz madura y se torna más audaz y experimental en los últimos años de su carrera profesional. Acepta el desafío de los músicos que venían empujando fuerte en el s. XXI, y toca en estudio con músicos de otras estéticas como John Zorn, Atilla Zoller o el guitarrista Dereck Bailey; publica álbumes de jazz contemporáneo y de vanguardia en discográficas afines como hatART, Soul Note, Omnitone o ECM.
Lee Konitz estuvo por Sevilla en varias ocasiones, en la primera de ellas tuve la fortuna de saludarle personalmente con mi amigo Vicente Sanchís en su camerino del Teatro Gutiérrez de Alba de Alcalá de Guadaíra. Era la noche del jueves 13 de noviembre de 1997 y llovía a mares en la capital de Andalucía. Se celebraba la 8ª edición del Festival de Jazz de la Provincia, que todavía hoy, aunque parezca increíble, organiza la Diputación de Sevilla. Lee Konitz tenía tres conciertos programados en Sevilla, el primero en Alcalá de Guadaira, —cartel de la derecha—, el viernes 13 en Valencina de la Concepción, y el sábado 14 en el pub BBdero de Marchena.
Entre la adversa climatología, y que era jueves, el teatro estaba semivacío —se vendieron poco más de 30 entradas, en una sala con cerca de 500 butacas—y el aspecto era desolador. Para colmo de males hubo problemas con el equipo de sonido que se mojó en con la lluvia y el concierto se retrasó algo más de media hora, así que algunos de los que allí estaban abandonaron la sala. Quedamos un grupo muy reducido de personas, entre ellas Manolo Grosso, el Director por entonces de la programación del Festival de Jazz en la provincia, al que también saludamos. Lee Konitz y Don Friedman salieron al escenario y rápidamente se percataron de que habíamos “cuatro gatos” allí dentro. Pero no les importó. Empezaron a tocar como si estuviesen en el mismísimo Carnegie Hall y fue un concierto memorable. Nos regaló incluso tres «bises» extraordinarios.
Años más tarde, entre el 17 y el 22 de marzo de 2002, Lee konit volvió a Sevilla para participar en
el profesorado en el IV Seminario de Jazz y Flamenco que organizaba el Teatro Central de Sevilla en su ciclo de «Jazz viene del Sur», bajo la dirección musical y artística de Manuel Ignacio Ferrand. Junto a Lee Konitz, formaron el profesorado del seminario los siguientes músicos: Pedro Sierra, guitarra flamenca; Sheila Jordan, voz; Jorge Pardo, saxo y flauta; Mark Turner, saxo tenor; Chris Kase, trompeta; Israel Galván, baile; Philip Catherine, guitarra; Ethan Iverson, piano; Reid Anderson, bajo; Rubem Dantas, percusión; Carlos Martín, trombón y Jef Ballard, batería. Se hicieorn asimismo las siguinetes «masterclass» de Lee Konitz, (saxo alto); Paul Bley, (piano); Enrico Rava, (trompeta); Juan Manuel Cañizares, (guitarra) y Miroslav Vitous, (contrabajo). Todo un gran elenco de músicos extraordinarios.
La tercera, y última vez, que Lee Konitz vino a Sevilla fue el 15 de noviembre de 2013, ya con 85 años, para actuar a dúo con el pianista, Dan Tepfer, dúo. Fue en el ciclo «jazz en Noviembre», también en el Teatro Central.
Hoy estamos contando que la maldita pandemia del Covid-19, se lo ha llevado por delante a los 92 años el 15 de abril de 2020. Con él se va una de las figuras claves del jazz moderno, un instrumentista extraordinario, un compositor y creador excepcional, y sobre todo, un ser humano increible para los que tuvimos la fortuna de conocerles._(apoloybaco)

Lee Konitz ha sido durante mucho tiempo un músico de jazz versátil, adaptable a muchos estilos diferentes. Esta sesión con sabor brasileño es una de las dos que el saxofonista alto grabó a mediados de los 90 para Venus; sus compañeros de sesión son el trompetista Tom Harrell, el guitarrista Romero Lubambo, el pianista David Kikoski (que se dedica sobre todo al piano eléctrico), el bajista David Fink, el batería Duduka Da Fonseca y el percusionista Waltinho Anastácio. Como era de esperar, el sonido ligero de Konitz funciona bien con los favoritos brasileños que interpretan, siendo Harrell un papel especialmente inspirado para el líder. Las obras de Antonio Carlos Jobim están bien representadas, incluyendo las alegres tomas de "Favela" y "Wave". La lírica "September" de Harrell (en la que se luce con un buen solo de sordina) y la "Brazilian Serenade" de Konitz también encajan muy bien en el ambiente de este relajante CD. Merece la pena investigar este gratificante _Ken Dryden (allmusic)
                                                                          
                                                                                           

Lee Konitz - Brazilian Serenade (1996)

Temas:
01. Favela (A. C. Jobim)
02. Once I Loved (A. C. Jobim) 
03. Recado Bossa Nova (D. Ferreira)
04. September (T. Harrel)
05. Dindi (A. C. Jobim)
06. Wave (A. C. Jobim)
07. Meditation (A. C. Jobim) 
08. Brazilian Serenade (L. Konitz)

Musicos:
Lee Konitz (Saxo alto)
Tom Harrell (Trompeta)
Romero Lubambo (Guitarra)
David Kikoski (Piano)
David Finck (Bajo)
Duduka Dafonseca (Batería)
Waltinho Anastacio (Percusiones)

Grabado en Sear Sound Recording Studio los días 20, 21 y 22 de marzo. 1996 en Nueva York

sábado, 24 de febrero de 2024

Walter Wanderley - Talkin' Verve

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado de un agudo oído para las nuevas armonías. Con 46 álbumes grabados en solitario en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de pop de Billboard en septiembre de 1966, abriendo una gran vía de éxito sólo amenazada por él mismo y su complejo carácter. Diez años después de su muerte por cáncer, con la llegada de una nueva moda, la industria del entretenimiento lo rebautizó como acto de salón, aumentando aún más sus ventas de discos y disparando el coste de sus álbumes descatalogados, pero todo ello a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el paso del tiempo jugó en su contra y que lo que hoy es música lounge era entonces innovador y revolucionario. Con todos esos fans de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño medio, hay que subrayar que el movimiento de la bossa nova, y Wanderley con él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia desarrollada a partir de raíces folclóricas. De hecho, también tiene un estilo de producción optimista, lleno de la energía que le proporciona su característico estilo de tartamudeo staccato, que recuerda inmediatamente a los auténticos elementos rítmicos y percusivos brasileños. También improvisaba extensos solos melódicos sin licks recalentados, pero éstos también quedaron fuera de sus álbumes más populares.
A los cinco años ya tocaba el piano. A los 12, cursó un año de teoría en el Liceo de Artes, y más tarde estudió armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada y con una vibrante escena cultural, donde trabajaba todas las noches al piano o al órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un músico activo en clubes nocturnos como The Claridge, The Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Acompañando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha Garcia, grabó por segunda vez un mes más tarde. Actuó como acompañante y arreglista de Garcia, y grabaría seis LP más acompañándola, y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; quedó fuera de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por grabar a jóvenes artistas como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato y otros, hasta entonces sin esperanzas de tocar más allá de los pequeños clubes nocturnos donde actuaban cada noche. Pero como las melodías y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendían muy bien. João Gilberto, de 1961 (reeditado posteriormente como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en EE.UU. en 1990 por World Pacific), también contaba con Walter. Un impaciente Wanderley se doblegó entonces bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto. Fue el tercer álbum que Gilberto grabó para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto contaba con Tom Jobim como pianista y Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes discusiones con de Oliveira, el productor era la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el septiembre anterior, y Jobim no quería ser programado para esa grabación. Gilberto, que no sabía escribir música, insistía en expresar su visión musical de los arreglos generales cantando, y eso no sólo incluía los tonos en sí, sino su expresión, timbre y articulación. Esto volvía loco a Wanderley, especialmente con cierto efecto de sonido de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("Barquito"), nunca era lo bastante bueno para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de aquel álbum, que sólo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley siguió con su carrera y su vida, iniciando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963 como arreglista y acompañante. 
También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en aquella época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue entonces cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y quedó prendado de su forma de tocar. Instó a Wanderley a trasladarse a EE.UU. y, él mismo habló de él al productor de Verve Records Creed Taylor, regalándole también algunos discos de Wanderley. Tras insistir, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. En 1966, grabaron "Samba de Verão" ("Samba de verano"), de los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle. Fue un éxito inmediato, y las emisoras de radio la ponían cuatro o cinco veces por hora. Ese mismo año salió el LP Rain Forest, que también se vendió muy bien y obtuvo el certificado de platino en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum Una cierta sonrisa, una cierta tristeza, también en 1966. Hasta el año siguiente grabaría otros seis LPs o singles en solitario para Verve, y diez más en su carrera en EE.UU. Sus discos siempre se vendieron bien, y tenía una agenda repleta de actuaciones, en la que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a EE.UU. y seguía viviendo allí cuando murió en 1986._Alvaro Neder (allmusic)

Posiblemente porque le gustaban los arreglos orquestados con ritmos de bossa nova, el organista Walter Wanderley nunca recibió mucha atención cuando grababa en los años sesenta. Sin embargo, en su afán por sacar a la luz grabaciones "lounge" olvidadas, Verve se topó con sus discos y decidió que merecía la pena reeditar su jazz latino exagerado y a veces extravagante. De sus tres álbumes para Verve recopilaron 16 pistas, seleccionando lo más destacado, como "Popcorn", "Agua de Beber", "The Girl from Ipanema", "Summer Samba", "Wave", "Beach Samba" y "Music to Watch Girls By". Es un buen resumen de sus años en Verve, con los mejores temas de sus desiguales álbumes. Sin duda hay mejores lugares para escuchar bossa nova, incluso jazz latino orientado al pop, pero todavía hay algunos buenos momentos en Talkin' Verve, especialmente si prefieres la cursilería a la calidad._Stephen Thomas Erlewine (allmusic)  

                                                                                  

                                                                                 

Walter Wanderley - Talkin' Verve (1998)

Temas:
01. Popcorn
2. Agua De Beber
3. Amazonas
4. The Girl From Ipanema
5. Summer Samba
6. Blue Island
7. Taste Of Sadness
8. Crickets Sing For Ana Maria
9. Canto De Ossanha
10. A Different Beat
11. Call Me
12. Wave
13. Beach Samba
14. Music To Watch Girls By
15. Goodbye Sadness (Tristeza)
16. Batucada Surgia

Musicos:
Walter Wanderley (Compositor, órgano, piano, piano eléctrico)
Marcos Valle (Arreglista, compositor, guitarra)
Luis Henrique (Compositor, Guitarra, Percusión, Voz)
Sivuca (Acordeón)
Bucky Pizzarelli (Guitarra)
José Marino (Bajo)
Tião Neto (Bajo)
Bobby Rosengarden (Percusión)
Lu Lu Ferreira (Percusión)
James Kappes (Batería)
Dom Um Romão (Batería)
Donald MacDonald (Batería)
Paulinho Da Costa (Batería)
Claudio Slón (Batería)
John Grimm (Flauta)
Melvin Tax (Flauta)
Romeo Penque (Flauta)
Jerome Richardson (Flauta)
Grimms (Flauta)
Urbie Green (Trombón)
Alfonso De Paula (Trompeta)
Talya Ferro (Voz)
Astrud Gilberto (Voz)

sábado, 20 de enero de 2024

Luisito Quintero - Percussion Maddness

Luis Quintero Jr. (Luisito Quintero) músico percusionista nació en la ciudad de Caracas,
Venezuela el 24 de Agosto de 1967. 
Ganador de un premio Grammy y nominado a varios Grammy, Luisito Quintero creció con la tradición latinoamericana y africana de la percusión. Su padre es tan percusionista como su tío Carlos Nene Quintero y su primo Roberto Quintero . Llegó a ser miembro de la Orquesta Simfónica de Venezuela , pero pronto apareció con conjuntos como el Grupo Guaco y El Trabuco Venezolano y realizó giras con Oscar D'León .
Posteriormente se trasladó a Nueva York, donde trabajó con músicos de jazz latino como Willie Colón, Eddie Palmieri, Tito Puente y Celia Cruz. Después se decantó por la fusión de jazz, funk, salsa y música africana y actuó con George Benson , Herbie Hancock , Ravi Coltrane y Toshiko Akiyoshi , pero también con músicos pop como Gloria Estefan y Marc Anthony.
Su primer álbum "Percussion Maddness" fue producido por Louie Vega & LQ y publicado por BBE Records. Ahora 8 años después, reeditado en Vega Records con 4 temas nuevos también producidos por Louie Vega saldrá en un pack doble de vinilo en dos partes, una un pack doble de 12" y la segunda un pack doble de vinilo de 7". Disfruta de los sonidos brasileños, jazz, africanos, house y afrocubanos del gran percusionista Luisito Quintero en este vinilo tan especial.
“Percussion Maddness” el mismo fue lanzado al mercado a principios del año 2006 y fue el primer álbum donde Luisito Quintero debuta como solista. Producido por el reconocido Louie Vega (Master at Works).
El álbum incluye 13 temas producidos por Louie Vega y Co-producidos por Luisito Quintero, adicionalmente incluye 3 versiones de temas de destacados músicos del Latin Jazz como lo son Ray Barretto y Tito Puente.

Puede que el percusionista venezolano Luisito Quintero no sea un nombre muy conocido, pero en el pequeño mundo de la música latina de Nueva York se le considera uno de los timbaleros más calientes de la ciudad.
Tras sus comienzos en la Orquesta Sinfónica de Venezuela y una temporada con la cantante de salsa La India, Quintero aprendió las sutilezas de la percusión afrocubana tocando junto a una serie de leyendas de la música latina, como Óscar D'Leon y Eddie Palmieri.
Aunque Quintero rinde homenaje a sus mentores en algunos temas dedicados a los fallecidos Tito Puente y Ray Barreto, el CD en su conjunto lleva el sello del DJ y productor de house "Li'l" Louie Vega, la mitad del dúo neoyorquino Masters at Work.
El deep-house, el acid jazz y los sedosos grooves de bossa están muy en la línea de los álbumes de Louie Vega Nuyorican Soul y Elements of Life, en los que participó Quintero.
A veces se acusa a Vega de sobreproducir los temas hasta el punto de castrarlos, y la voz de la cantante caboverdiana Anane -la última conquista de Lil' Louie- en "Our Love" es tan suave que se acerca a la música muzak.
¿Pero ligero? No lo creo. Un tema de Fela Kuti con el cantante y guitarrista camerunés Francis
Mbappe da en el clavo del afrobeat, y una fiel reproducción del tema seminal de Ray Barreto, "Acid", es un merecido homenaje.
En general, la calidad de las colaboraciones del pianista Hilton Ruiz, el flautista Néstor Torres y el guitarrista venezolano Aquiles Báez hacen de este disco una delicia para los amantes de la música que buscan algo más que las típicas descargas de salsa que ofrecen muchos combos latinos en la actualidad.
                                                                           
                                                                                   

Luisito Quintero - Percussion Maddness (2006)

Temas:
01. Percussion Maddness
02. Tumbao
03. M'Bongi
04. Gbagada, Gbagada, Gbogodo, Gbododo feat. Francis Mbappe
05. Aquilas Coisas Todas
06. Our Love feat. Anane
07. Quintero's Jam feat. Hilton Ruiz
08. EOL Intro (Clap Your Hands)
09. Acid
10. Four Beat Mambo
11. Son Montuno
12. Oshagrina
13. Love Remains Tha Same feat. Blaze

Musicos: 
Luisito Quintero (Percusión, bongos, conga, batería, maracas, timbales, voz (negra), campanas, palmas, djembe, cajón, dun-dun, ngoma, shaker, shekere, güiro, instrumentos de juguete, ruido de la multitud, productor)
Kevin "KAcey" Jones (Voz 'bckgr', palmas, djembe, dun-dun, ngoma, shaker, productor)
Aquiles Baez Guitarra (Tres)
Luis Bonilla (Trombón)
Milton Cardona (Voz 'bckgr', shekere, lead)
Marc Cary (Fender Rhodes)
Mike Ciro (Guitarra eléctrica, Guitarra rítmica, solista)
Stephanie Cooke (Voz 'negra')
Kaïssa Doumbé (Voz 'bckgr')
Nelson Hernandez (Arreglos de trompa)
Adam Hill (Viola)
Brian Lynch (Trompeta, fliscorno)
Jose Mangual Jr. (Voz 'bckgr')
Francis Mbappe (Bajo, Guitarra rítmica, Voz, Voz 'negra', arreglos vocales)
Ozzie Melendez (Trombón)
Albert Sterling Menendez (Teclados, Fender Rhodes, solista)
Josh Milan (Voz, Voz 'bckgr', solista, teclado armónica)
Shuichi Morita (Sobregrabaciones vocales)
Gene Perez (Bajo)
Carlos "Nene" Quintero (Conga)
Ivan Renta (Saxo soprano, Saxo Tenor)
Carleen Robinson (Voz 'bckgr')
Reuben Rodriguez (Bajo eléctrico, bajo vertical, ampeg baby bass)
Hilton Ruiz (Piano)
John Scarpulla (Saxo barítono, saxo tenor)
Nestor Torres (Flauta)


sábado, 13 de enero de 2024

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida

Eva Cortés (Tegucigalpa, 1972) es una cantante y compositora hondureña de jazz.
Se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradicional latinoamericana (zamba, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz. Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos y acento andaluz.

Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y Nueva York.
Se dio a conocer en el año 1980 tras grabar un álbum de canciones infantiles titulado Cosas de niños junto a cantantes como Ana Belén, Víctor Manuel, Mocedades y Miguel Bosé.
En la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria. Al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música latinoamericana. Aunque escuchamos en sus primeras composiciones, a la edad de 16 años, una fuerte influencia del blues.
En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir Sola Contigo, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París. En dicho trabajo podemos encontrar ritmos sudamericanos fusionados con el jazz y con un suave toque proveniente del sur de España.
Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con una gran prestigio internacional : Jerry González, Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros. En abril de 2008 Eva graba su segundo trabajo Como Agua entre los Dedos, que es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en el dos adaptaciones al castellano de dos standards como son You don’t know what love is y La Vie en Rose.

Edita su tercer álbum El Mar de Mi Vida el 6 de abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. [cita requerida] El Mar de Mi Vida reúne 12 temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural. 
En esta ocasión además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema C'est si bon, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin). Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro. Además encontramos temas como Alfonsina y el Mar (Ariel Ramírez-Felix Luna), Une chanson Douce (Henrie Salvador- Maurice Pon), C'est si bon (André Hornez-Henri Betti) y Que reste-t-il de Nos Amours (Charles Trenet-Leo Chauliac)..._(wikipedia)
                                                                            
                                                                                   

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida (2010)

Temas:
01. El Mar De Mi Vida
02. Casi
03. C'es Si Bon / ¿Qué Es Mejor? (Feat. Miguel Poveda)
04. Desterrado
05. Valsa Da Menina
06. Recordando El Mañana
07. Poco Importa Si Después
08. Que Reste-T-Il De Nos Amours / I Wish You Love
09. Mujer
10. Alfonsina Y El Mar
11. Da Igual
12. Une Chanson Douce

sábado, 6 de enero de 2024

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man

El teclista David Matthews ha sido, entre otras cosas, una fuente constante de funk, ya sea bebiéndolo del sudor del rítmicamente innovador padrino del soul James Brown o intentando verterlo sobre la cabeza del algo más enclenque Paul Simon. Entre las tendencias, para bien o para mal, a las que Matthews ha estado asociado desde los años 70 se incluyen también el sonido CTI, una exhaustiva lista de bandas sonoras para televisión y anuncios comerciales, y una serie de lanzamientos de la Manhattan Jazz Orchestra que han sido elogiados por la crítica. No hay que confundirlo con el Dave Matthews de la jam band, ni con el anterior arreglista y músico de cañas de la época de las big bands, aunque parece que ambos trabajaron para Frank Sinatra en su día.
Licenciado en composición por la Universidad de Cincinnati, Matthews comenzó su carrera como líder de una banda de baile a finales de los años sesenta. Este grupo realizó numerosas giras por varias partes de Europa y Matthews también empezó a establecer su presencia en la escena jazzística de Cincinnati. En 1970 empezó a trabajar como arreglista y director de orquesta para James Brown, lo que le permitió trasladarse a Nueva York y aprovechar la conexión con Brown para conseguir encargos independientes. Entre sus clientes se encontraban artistas tan exigentes como el batería y director de orquesta Buddy Rich, los cantantes Mark Murphy y Bonnie Raitt, y la Starland Vocal Band, entre muchos otros. A mediados de los 70, se convirtió en arreglista del sello CTI, lo que dio lugar a una serie de producciones suaves que fueron amadas por algunos aficionados al jazz y detestadas por otros. A partir de entonces, Matthews formó sus propios grupos, como el Manhattan Jazz Quintet. Compuso muchas películas para Hollywood, como The Parallax View, la primera versión de The Stepford Wives y Night Moves. También ha tenido bastante notoriedad por sus actividades en Japón._Eugene Chadbourne (allmusic) 
                                                                       
                                                                          

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man (1997)

Temas:
01. Caravan (Duke Ellington, Juan Tizol)
02. Watermelon Man (Herbie Hancock)
03. Carioca (Vincent Youmans)
04. Oye Como Va (Tito Puente)
05. Historia de Un Amor (Carlos Almaran Eleta)
06. Bonita Rosita (David Matthews)
07. Nica’s Dream (Horace Silver, Weaver Copeland)

Musicos: 
David Matthews (Director, arreglos)
Lew Soloff (Trompeta)
Ryan Kisor (Trompeta)
Conrad Herwig (Trombón)
Chris Hunter (Saxo alto)
George Young (Saxofón tenor)
Joe Temperley (Saxo barítono)
Ross Traut (Guitarra)
Jon Werking (Sintetizador)
Mark Egan (Bajo)
Sammy Figueroa (Congas, cowell)
Gordon Gottlieb (Timbales, pandeiro)
James Saporito (Bongos, shaker, güiro)
Terry Silverlight (Batería)

Grabado en Warehouse Studio, N.Y. 27 y 28 de enero de 1997

sábado, 16 de diciembre de 2023

Adela Dalto - Peace


Papa Boco", el primer disco de Milestone de la vocalista Adela Dalto, integra sofisticados elementos de la música latina y brasileña con el jazz para crear una atractiva mezcla de sensuales ritmos ardientes y sensuales voces. "Papa Boco" ha sido coproducido por Todd Barkan y el pianista y arreglista Aloisio Aguiar, colaborador de Adela durante los últimos quince años, y cuenta con el respaldo de un elenco de músicos latinos y brasileños como el trompetista Claudio Roditi, el flautista Dave Valentin y el guitarrista Romero Lubambo, así como los percusionistas Milton Cardona, Steve Berrios y Cafe. Los arreglos fueron escritos por Adela y Aguiar, que también toca los teclados en ocho de los diez temas del álbum.
La enérgica canción que da título al disco, "Papa Boco", en la que destaca el estimulante trabajo de trompeta de Roditi, fue escrita por un amigo de Adela, el Dr. Sánchez Acosta, y cuenta la historia de un médium de la santería que protege a los creyentes del mal llevando un pañuelo rojo y un puro en una mano y una vela en la otra. La santería, que se practica en muchos segmentos de la comunidad latina, cuenta con Adela entre sus creyentes; ella siente que "cuanto menos sepa de ella, mejor protegida estaré. Pero mantengo mi vaso de agua cerca de la puerta principal".
Adela se enamoró de "Peace", del pianista y compositor Horace Silver, cuando trabajaba con un grupo de jazz latino y buscaba canciones interesantes. Rápidamente la añadió a su repertorio y está encantada de grabarla por fin. La versión de Adela, quizá la interpretación vocal definitiva del jazz, cuenta con un solo de tenor de Dick Oatts, veterano de la Mel Lewis Jazz Orchestra.
"Papagaio Rei", una apetitosa samba escrita por Adela y Aloisio Aguiar, lleva el nombre de Aguiar. "Aloisio", explica Adela, "es un gran hablador, así que algunos de los chicos le apodaron Papagaio, que significa loro. Cuando llamé a Claudio y le pedí que tocara en la sesión, me dijo que también tenía una canción llamada 'Papagaio', que en portugués también significa cometa. Así que Aloisio sugirió que añadiéramos la palabra Rey al título". La composición empezó como un gancho de Aloisio que Adela utilizó para una introducción de una composición de Jo o Donato, pero "luego decidí que era demasiado bonito para desperdiciarlo, así que nos juntamos y se nos ocurrió esta melodía."
La leyenda brasileña ya fallecida Antonio Carlos Jobim compuso la lírica "Falando de Amor", y Adela la eligió porque "me encantan muchas de sus canciones y todas son muy bonitas. Esta canción es de uno de sus discos más antiguos, que solía escuchar hace mucho tiempo, antes de hablar portugués. Nunca supe realmente lo que decía la canción antes, pero ahora que hablo portugués, la letra ("hablando de amor") cobró vida, y decidí que era el momento de grabarla".

"Guajiro Mio" es un vigoroso chachachá compuesto por Adela, su difunto marido Jorge y el teclista Aguiar. Adela cuenta que "Guajiro es el apodo de los montañeses de Puerto Rico y Carlos Santana grabó una canción titulada Vamonos Guajira', así que esto es en respuesta a su canción".
"April Child" fue escrita por Moacir Santos, un brasileño afincado en California. "Esta melodía existe desde hace tiempo", explica Adela, "y me pareció apropiado grabarla en este álbum, que es una combinación de música brasileña, latina y jazz". Oatts vuelve para otra pausa de tenor que sirve para animar los ya alegres procedimientos.
Aunque está definitivamente en la onda latina, Adela cree que su original "I'll Always Remember" es "más una melodía pop. Cuando escribo, se me ocurren melodías y letras al mismo tiempo". Aloisio se sienta al piano a buscar acordes y probar cosas. Aloisio y yo trabajamos mucho juntos y ésta es una canción que arreglamos con un sentimiento pop".
"Sad Love Song" se basa en el estándar brasileño "Menina Moáa", grabado por Stan Getz y Lee Konitz. Adela grabó originalmente la composición con Konitz, pero prefería una letra americana; así que un día en Japón, mirando desde su habitación de hotel, dio rienda suelta a su imaginación, creando la nueva letra. El arreglo de Aguiar incluye la flauta contralto de Valentin.
Adela escribió la letra de "Up Jumped Spring", del trompetista Freddie Hubbard, y el resultado es "Sweet Spring". Después de sentarse con Hubbard y cantar el estándar "It Might As Well Be Spring", él le pidió que escribiera una nueva letra para su composición, "Up Jumped Spring". "Describió la canción como escrita para su hijo, que había nacido esa primavera. Me dijo que parecía que su hijo acababa de salir de la tierra como una flor de primavera. Lo tuve en cuenta cuando escribí la letra, que le gustó mucho. Así que me dejó cambiarle el título".
El cierre, otro original de Dalto, "Estaba en Nada", significa literalmente "[él] no era nada". "Es una canción divertida sobre una chica que habla a sus amigas de un tipo estupendo que acaba de conocer, pero resulta que no tenía coche, no tenía dinero para el autobús, estaba casado, tenía seis hijos y vivía con su suegra, ya sabes, estaba en nada".
Nacida en Texas de padres mexicanos, Dalto se crió en Gary, Indiana. Estuvo muy influenciada por el r&b y el jazz. Fue su difunto marido, Jorge Dalto, quien animó a Adela a iniciar su carrera profesional. Jorge, antiguo pianista y director musical de George Benson, ayudó a Adela a desarrollar su interés por el jazz y la introdujo en los sutiles y emocionantes ritmos de la música latina y brasileña. Cuando empezó a estudiar y a cantar profesionalmente, Adela se vio muy influenciada por las cantantes de jazz Sarah Vaughan y Dinah Washington, las vocalistas latinas Graciela y Celia Cruz, así como por las brasileñas Elis Regina y Leny Andrade.

Tras varios años actuando localmente en Nueva York, Adela se unió a la InterAmerican Band de Jorge y grabó "Ease My Pain" en su CD Urban Oasis de 1985. Desde entonces, ha trabajado con los favoritos latinos Jerry González y Hilton Ruiz, además de actuar con la Latin Jazz Orchestra del saxofonista panameño Mauricio Smith en el Rainbow Room de Nueva York. Adela también fue vocalista destacada de la Orquesta Afrocubana de Mario Bauza y del conjunto AfroJazzia de Carlos "Patato" Valdés. Recientemente, la cantante residente en Nueva York ha actuado regularmente con su propio grupo y como vocalista invitada en clubes tan conocidos de Manhattan como Blue Note, S.O.B.'s y Birdland._(concord)
                                                                              
                                                                                    

Adela Dalto - Peace (1995/2019)

Temas:
01. April Child
02. I'll Always Remember
03. Papagaio Rei
04. Falando De Amor
05. Guajiro Mio
06. Peace
07. Sweet Spring
08. Sad Love Song
09. Estaba En Nada
10. Papa Boco

Musicos:
Adela Dalto (Voz)
Aloisio Aguiar (Teclados)
Dick Oatts (Saxo soprano, saxo tenor, flauta)
Romero Lubambo, Yomo Toro, Paul Ricci (Guitarra)
Sergio Bradao, Joe Santiano (Bajo)
Rick Sebastian, Steve Berrios (Batería)
Cafe, Milton Cardona, Jorge Da Silva (Percusión)
Dave Valentin (Flauta alto, flauta bajo)
Gilbert Colon Jr (Piano)
Claudio Roditi (Trompeta)
Deborah Resto (Coros)

Grabado en el Variety Studio de Nueva York en julio-agosto de 1995

sábado, 11 de noviembre de 2023

Juan Carlos Marín - El Trombón de Santa Amalia

Como músico de metales bajos de formación (incluido el trombón), este escritor ha estado esperando durante años a que alguien llenara el vacío dejado por el fallecimiento de Juan Pablo Torres. Oh, hay varios trombonistas excelentes de Jazz Latino por ahí, pero ninguno ha llenado realmente el nicho que Juan Pablo una vez ocupó. Hasta ahora. Con El Trombón de Santa Amalia, Juan Carlos Marín hace una impresionante apuesta por el reconocimiento como el principal trombonista de Jazz de Cuba.  Esta grabación es otra entrada en la colección The Young Jazz Spirit de Colibri, que sigue exhibiendo una calidad extraordinaria. 
Esta grabación está llena de Cubop muy serio, baladas, Cha Chas muy avanzados junto con algo de Jazz Afrocubano y Rumba y algunos pasajes en Mi Giro que son Jazz fusionado con R y B (Haydée Milanés hace una aparición invitada en la voz en este tema), y La Primavera es también una rica fusión de Jazz / R y B con líneas solistas muy intrincadas de casi todo el grupo. Este tema probablemente funcionaría especialmente bien en las radios de Jazz norteamericanas.  Bobby Carcasses hace una voz invitada en Emiliano Forever.
Aunque los pasajes de trombón de Juan Carlos Marín son la razón más importante para querer este álbum, todo el conjunto brilla con un montón de espacio para tomar sus propios solos, y este álbum fue justificadamente nominado para un premio Cubadisco en 2013 en la categoría de Jazz Cubano._ Bill Tilford (timba)
                                                       
                                                                             

Juan Carlos Marín - El Trombón de Santa Amalia (2012)

Temas:
01. Tulusse
02. Todo De Ti
03. Cha aquí cha allá
04. Mi Giro
05. Dalia Danzón
06. Emiliano Forever
07. Bembe En Santa Amalia
08. La Primavera
09. La iyawó

Musicos:
Juan Carlos Marín (Director, trombón, coros en temas #4, #6, #9) 
Julio Padrón (Trompeta, coros en temas #4, #6, #9)
David Alfaro (Piano)
David Suárez (Saxo tenor)
Carlos Ríos (Bajo)
Oliver Valdés (Batería)
Adel González (Tumbadoras)
Etian Amau (Rapero)
Moraima Marín (Coros en temas #2, #9)
Marbis Manzanet (Coros en temas #4, #6)

Musicos invitado:
Bobby Carcasses (Voz, en tema #6)
Haydée Milanés (Voz y coros en tema #4)

sábado, 4 de noviembre de 2023

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances

Arturo " Chico " O'Farrill (28 de octubre de 1921 - 27 de junio de 2001) fue un compositor, arreglista y director de orquesta cubano, mejor conocido por su trabajo en el idioma latino, específicamente el jazz afrocubano o "Cubop", aunque también compuso piezas de jazz tradicional e incluso obras sinfónicas.

Nacido en una familia aristocrática cubana, tocó la trompeta al principio de su carrera. Compuso obras para Machito ( suite afrocubana con Charlie Parker , 1950) y la Bebop Orchestra de Benny Goodman ("Undercurrent Blues"), y arregló para Dizzy Gillespie y Stan Kenton , entre otros.
En la década de 1990, O'Farrill dirigió una gran banda que se instaló en el club nocturno Birdland de Nueva York . El hijo de Chico, el pianista Arturo O'Farrill , finalmente se hizo cargo de la banda..._(wikipedia)

Este, concretamente, es un álbum de música para bailar. Música para bailar con un marcado sin embargo, ya que también está orientado a una escucha excepcionalmente agradable. Pero a los latinos les costará resistir el impulso de poner los pies en el suelo, ya que Chico O'Farrill y sus cubanos aportan una dimensión suplementaria a la música de baile mambo-latina. Esta dimensión es la musicalidad sólida.

Se hace hincapié en la musicalidad por este motivo: desde que el Mambo-Latino se estiló en este país, el número de grupos que han intentado adaptar este tipo de música como propia ha aumentado desmesuradamente. Hoy en día, como resultado, grupos de todo el mundo intentan adaptar el Mambo-Latino y afirman que lo hacen con maestría. Mientras tanto, el bailarín principiante de mambo, tango o rumba sale a la pista y, al encontrarse con algún problema rítmico, se regaña a sí mismo. Lo cierto es que, sin un compás bien definido y sin entender el ritmo, ningún grupo puede dominar la música de baile latinoamericana. Para el bailarín aparentemente torpe, la culpa es del grupo.
Lo que nos lleva a una banda que conoce los ritmos y sabe, además, cómo tocarlos para que
cualquier persona con dos pies y ganas de bailar al ritmo latinoamericano no tenga que preocuparse. Se trata, por supuesto, de Chico O'farrill's Cubans que, en este álbum, interpreta una variedad de bailes mambo-latinos. Hay siete selecciones, de hecho, escritas por el propio O'Farrill junto con un éxito popular del género---Buddy Pepper's popular " Vaya Con Dios" y otros originales. En conjunto, la banda de O'Farrill es una de las más excitantes para bailar, merecidamente clasificada entre las mejores de su campo.

El propio Chico O'farrill es natural de La Habana, Cuba, y ha hecho arreglos para líderes tan destacados como Benny Goodman, Miguelito Valdés, Stan Kenton y Noro Morales, lo que da fe de su versatilidad. Pero este álbum es una prueba aún mejor._ Verve Recods
                                                                                     
                                                                                

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances (1958)

Temas:
01. Lamento
02. Cachita
03. Rumbonsito
04. Te Quiero Dijiste
05. Angels Flight
06. Tres Palabras
07. Quiermo Mucho
08. More Mambo
09. Mambo For Bunto
10. Botellero
11. Pianarabatibiri
12. Vaya Con Dios
13. L. A. Mambo
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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